November, 2020 | Lakebraddockorchestra

‘Kita Saling Membutuhkan’: Musisi Klasik Kulit Hitam Sedang Membangun Komunitas Yang Mendukung – Musik sangat penting bagi banyak orang selama isolasi COVID-19, dan dalam bulan yang sama ini, musisi kulit hitam telah memperkuat momentum gerakan Black Lives Matter. Meskipun musik pop atau hip hop adalah genre yang kelincahan dan daya tanggapnya menjadikannya situs alami untuk komentar populer, hal ini mengancam untuk mengabaikan arena pembuatan musik lainnya.

Beberapa organisasi seni di Kanada telah menjanjikan dukungan untuk Black Lives Matter, menyerahkan platform mereka kepada seniman kulit hitam atau menyoroti pekerjaan mereka. Baru-baru ini sebuah acara virtual ditayangkan, ” Black Opera Live: Kanada,” menampilkan penyanyi sopran terkenal Measha Brueggergosman, Othalie Graham dan Audrey DuBois Harris, diproduksi oleh Black Opera Productions, sebuah perusahaan film dokumenter AS. Tapi bagaimana dengan komunitas instrumentalis klasik kulit hitam yang lebih luas dan kohesif di Kanada saat ini? Meskipun ada sejarah panjang musisi klasik profesional di komunitas Kulit Hitam, ada kesenjangan pengetahuan tentang kesenian klasik Kulit Hitam di Kanada. judi online

Seniman klasik kulit hitam dapat menghabiskan karir mereka di orkestra mayoritas kulit putih dan ansambel kecil di seluruh Kanada, tanpa sepengetahuan orang lain yang berbagi pengalaman mereka. Tapi ini mungkin berubah ketika seniman klasik kulit hitam mulai menceritakan kisah mereka, mengubah jalur karier mereka, menantang bagaimana komunitas seni didefinisikan, dan melangkah ke peran kepemimpinan di mana mereka menyerukan perubahan sistemik.

Kanada klasik hitam

Di Amerika Serikat, sebuah studi 2016 oleh League of American Orchestras menemukan bahwa kurang dari dua persen musisi di orkestra Amerika berkulit hitam. Data serupa tidak tersedia di Kanada. Sebuah studi yang dilakukan oleh Orchestras Canada tentang hubungan orkestra dengan masyarakat Pribumi dan orang kulit berwarna yang diterbitkan pada tahun 2018 menemukan bahwa ketidakadilan dan kolonialitas sistemik yang mendasari musik klasik Kanada menciptakan hierarki yang memperkuat rasisme dan penyesuaian budaya. Etnomusikolog Parmela Attariwala menulis penelitian ini bersama penulis Soraya Peerbaye. Attariwala mencatat bahwa karena undang-undang privasi Kanada, mereka tidak dapat mengumpulkan statistik terkait ras tentang siapa yang menjadi bagian dari orkestra. Dia sekarang sedang menjajaki gagasan orkestra mengambil survei statistik sukarela.

Beberapa seniman klasik kulit hitam terkemuka telah memperoleh perhatian baru melalui karya Black Canadians: Konduktor Brainerd Blyden-Taylor mendirikan Nathaniel Dett Chorale pada tahun 1998, menghormati komposer dan pianis kelahiran Kanada Hitam. Penyanyi klasik dan Nova Scotian Portia White telah menjadi subjek beberapa seniman dan penulis kulit hitam dan menjadi lebih dikenal pada tahun 1999, melalui pengenalan stempel peringatan.

Meskipun penelitian telah dilakukan secara luas tentang bagaimana kolonialisme, inisiatif keberagaman, dan praktik perekrutan pasca-sekolah menengah telah memengaruhi partisipasi Kulit Hitam dalam musik klasik, kami belum melihat studi komprehensif tentang kontribusi Kulit Hitam Kanada pada sejarah musik klasik Kanada.

Tidak adanya rekan kerja, mentor

Tidak ada daftar lengkap dari instrumentalis klasik kulit hitam kontemporer di Kanada. Sebagai rekan penulis cerita ini, minat bersama kami dalam musik klasik muncul melalui diskusi, dan minat untuk melaporkan tentang instrumentalis klasik kulit hitam mengemuka. Dari lima instrumentalis klasik kulit hitam yang karyanya kami ketahui, tiga tersedia untuk berpartisipasi dalam wawancara.

Para instrumentalis klasik kulit hitam sering mengalami kesuksesan mereka, serta pukulan halus dan terbuka dari rasisme anti Kulit Hitam tanpa dukungan rekan kerja dan mentor yang mungkin membantu menavigasi medan semacam itu. Semua senang karena pengalaman mereka terungkap.

Pengalaman negatif bisa dimulai lebih awal.

Bassoonist Sheba Thibideau diberitahu bahwa bibirnya “terlalu besar” untuk memainkan seruling dan bahwa dia “tidak cocok” untuk bermain biola oleh kepala sekolah dasarnya di Vancouver. Tanya Charles Iveniuk, pengajar di Axis Music, Sekolah Musik Regent Park, dan Universitas Toronto, lebih mudah masuk. Dikelilingi oleh suara kakak laki-lakinya yang sedang berlatih piano, dia mengumumkan, pada usia tiga tahun bahwa dia ingin bermain biola. Dan begitulah adanya.

Di universitas, bagaimanapun, kedua musisi menggambarkan dampak rasisme anti-kulit hitam. Ini sering tampak sebagai ketiadaan akses yang misterius: ke orkestra siswa tingkat kinerja yang sesuai, ke bimbingan dan informasi tentang cara menavigasi pipa tak terlihat ke kehidupan profesional sebagai musisi klasik. Mereka mengalami agresi mikro, kadang-kadang, permusuhan langsung atau kurangnya kesadaran akan keadaan ekonomi yang berbeda.

Keduanya mempertanyakan bagaimana karier mereka bisa berbeda jika mereka tidak menghabiskan banyak energi untuk menavigasi, menjelaskan dan melindungi diri mereka sendiri di dalam panci presto di lingkungan yang didominasi kulit putih dan struktur kekuasaan. “Saya memiliki karier yang hebat sekarang,” kata Iveniuk, “namun, saya dihantui oleh pertanyaan itu.” Ini adalah pekerjaan psikis dan emosional yang tidak perlu dilakukan oleh kulit putih (dan seringkali rekan-rekan Asia).

Ada sesuatu yang busuk

Salah satu murid Iveniuk, anak laki-laki berlatar belakang Vinsensian, seperti dia, mengatakan kepadanya bahwa dia tidak tahu bahwa tidak apa-apa mengejar biola sampai dia menjadikannya sebagai guru. Jarang musisi kulit putih ditanyai ketika mereka mengeksplorasi dan menjadi ahli musik dari tradisi kulit hitam historis. Tetapi anak – anak kulit hitam belajar sejak dini apa yang cocok dan tidak untuk mereka.

“Orkestra memiliki banyak pekerjaan yang harus dilakukan di bidang ini,” kata Daniel Bartholomew-Poyser , kepala konduktor pendidikan dan duta komunitas Toronto Symphony Orchestra. Dia telah mengembangkan beberapa pedoman dalam perannya. Melalui penjangkauan, dukungan pendidikan, dan pekerjaan konsisten lainnya di masyarakat, orkestra dapat menjadi tempat orang pergi untuk mendengarkan anak-anak dan tetangga mereka tampil. Sampai pekerjaan itu selesai, orkestra dapat menjadi tempat bermusuhan bagi musisi kulit hitam yang sendirian.

Perubahan nyata

“Orang kulit hitam semuanya kelelahan. Saya benar-benar kelelahan setelah George Floyd , ”kata Bartholomew-Poyser. Dia menyarankan bahwa alih-alih menanyakan apa yang harus dihindari untuk dikatakan kepada orang kulit hitam, taruh mereka di dewan atau di posisi yang berkuasa.

Sebagai artis dalam kediaman dan duta komunitas Symphony Nova Scotia, ia menerima telepon dari Christopher Wilkinson, CEO. “Dia bertanya kepada saya, ‘Apakah menurut Anda kita bisa melakukan konser dengan Maritime Bhangra Group dan Symphony Nova Scotia? Saya memikirkannya selama tiga detik. Saya bilang iya.'”

Bartholomew-Poyser membayangkan orkestra sebagai perpustakaan suara yang dapat diterapkan pada musik dari seluruh dunia, bukan hanya kanon Eropa. Dia mengaransemen musik bhangra untuk simfoni tersebut. Konser itu sukses.

“Seperti itulah inklusi. Itulah kerentanan di pihaknya (Wilkinson). Itu adalah rasa hormat. Itu berarti menyerahkan tanggung jawab. Menempatkan orang kulit berwarna pada posisi berkuasa. Dan mempercayai mereka dengan itu,” katanya.

Bartholomew-Poyser menegaskan bahwa seniman harus dapat berbicara tentang pengalaman mereka tentang agresi mikro, ” saling “, dan bahaya yang lebih terbuka, dengan satu sama lain dan dengan organisasi mereka. The Stratford Festival dan Ballet Nasional Kanada baru-baru ini disebut oleh seniman Hitam.

Kekuatan banyak orang

Iveniuk menikmati pengalaman bekerja di selatan perbatasan dan kesempatan untuk menjadi salah satu dari banyak orang kulit hitam dalam suasana orkestra . “Pikiran meledak!” dia tertawa. Seluruh orkestra kita?

Thibideau belum memiliki pengalaman itu. Dia mendedikasikan tahun 2020 untuk membuat proyeknya sendiri termasuk paket pertunjukan yang akan digunakan untuk menghibur orang-orang di sistem penjara. Banyak proyek Iveniuk termasuk Odin Quartet. dan berencana untuk melatih anak BIPOC sebanyak yang dia bisa. Bartholomew-Poyser berencana untuk mengejar pemain muda BIPOC. Dia mengatakan dukungan terlihat seperti uang, serta bimbingan, pelajaran serta transportasi ke dan dari konser. Sepertinya seniman klasik kulit hitam tetap berhubungan, katanya, karena “kita saling membutuhkan”. Di komunitas klasik Kanada yang sudah tersebar luas, hubungan penting ini akan menjadi kunci untuk meningkatkan partisipasi dan visibilitas instrumentalis Hitam.

Gedung Konser Berteknologi Tinggi Mengukur Gelombang Otak dan Detak Jantung Selama Pertunjukan

lakebraddockorchestra

November 9, 2020April 11, 2023 Christian Soto

Gedung Konser Berteknologi Tinggi Mengukur Gelombang Otak dan Detak Jantung Selama Pertunjukan

Gedung Konser Berteknologi Tinggi Mengukur Gelombang Otak dan Detak Jantung Selama Pertunjukan – Semua bukti menunjukkan bahwa musik memainkan peran penting dalam setiap masyarakat manusia, baik dulu maupun sekarang. Saat kita berkumpul untuk merayakan, bersukacita atau berduka, musik menggerakkan kita dengan cara yang kuat. Pengasuh di seluruh dunia bernyanyi untuk bayi untuk menenangkan, bermain, dan mengajar mereka. Namun kami baru saja mulai mengungkap pengaruh musik yang mendalam terhadap otak, emosi, dan kesehatan kami.

Laurel Trainor adalah direktur McMaster Institute for Music and the Mind dan memainkan seruling utama di Burlington Symphony Orchestra. Penelitiannya meneliti bagaimana musik diproses di otak, bagaimana musisi berkoordinasi secara non-verbal dan peran musik dalam perkembangan awal dari berbagai perspektif termasuk perkembangan perseptual, kognitif, sosial dan emosional. Penelitian Dan Bosnyak mempelajari plastisitas saraf dalam sistem pendengaran manusia, khususnya korelasi saraf tinnitus dan gangguan pendengaran perifer. judi bola

Laboratorium konser

The Large Interaktif Virtual Laboratorium Lingkungan (LIVELab) di McMaster University adalah sebuah gedung konser penelitian. Ini berfungsi sebagai laboratorium dan teater berteknologi tinggi, membuka peluang luar biasa untuk penelitian dan penyelidikan.

Sebagai satu-satunya fasilitas sejenis di dunia, LIVELab adalah gedung konser dengan 106 kursi yang dilengkapi dengan lusinan mikrofon, speaker, dan sensor untuk mengukur respons otak, respons fisiologis seperti detak jantung, laju pernapasan, keringat, dan gerakan di beberapa musisi. dan penonton pada saat bersamaan.

Insinyur, psikolog, dan peneliti klinis dari berbagai disiplin ilmu bekerja bersama musisi, artis media, dan industri untuk mempelajari kinerja, persepsi, pemrosesan saraf, dan interaksi manusia. Di LIVELab, akustik dikontrol secara digital sehingga pengalaman dapat berubah secara instan dari sangat sunyi dengan hampir tidak ada gaung ke restoran yang bising ke platform kereta bawah tanah atau ke akustik Carnegie Hall.

Mempelajari pengalaman musik

Di LIVELab, para peneliti mengerjakan studi yang melihat bagaimana kita membuat musik bersama, bagaimana musisi mengkoordinasikan gerakan mereka dan menyinkronkan otak mereka untuk tampil dan mengapa orang senang menghadiri pertunjukan langsung ketika mereka bisa memiliki suara yang lebih baik di rumah. Dengan lebih memahami apa yang terjadi di otak selama mendengarkan dan memutar musik, kita dapat menjelajahi manfaat kesehatan yang lebih luas.

Data fisiologis real-time seperti detak jantung dapat disinkronkan dengan data dari sistem lain seperti penangkapan gerak, dan dipantau serta direkam dari pemain dan penonton. Hasilnya adalah kumpulan data yang sekarang dapat dikumpulkan dalam beberapa jam di LIVELab biasanya membutuhkan waktu berminggu-minggu atau berbulan-bulan untuk dikumpulkan di lab tradisional. Dan melakukan pengukuran beberapa orang secara bersamaan mendorong pemahaman kita tentang interaksi manusia secara real-time.

Pertimbangkan implikasi tentang bagaimana musik dapat membantu penderita penyakit Parkinson untuk berjalan lebih lancar atau anak-anak penderita disleksia untuk membaca dengan lebih baik.

Di balik musik

Untuk memeriksa bagaimana musisi berkomunikasi secara non-verbal, para peneliti di LIVELab mengukur goyangan tubuh setiap musisi dalam kuartet string saat mereka bermain bersama. Goyangan tubuh tidak diperlukan untuk memainkan instrumen, tetapi mencerminkan proses pemikiran yang terlibat dalam perencanaan apa yang akan dimainkan musisi selanjutnya.

Agar musisi tetap bersama dan menciptakan pertunjukan yang kohesif, mereka perlu memprediksi apa yang akan dilakukan satu sama lain selanjutnya dalam hal pengaturan waktu mikro, frasa, dinamika, dan artikulasi. Jika mereka menunggu untuk mendengar apa yang dilakukan musisi lain, itu akan terlambat.

Dalam makalah terbaru kami, yang diterbitkan dalam Proceedings of the Natural Academy of Sciences, kami menggunakan model matematika untuk menunjukkan bahwa kami dapat memprediksi goyangan tubuh seorang musisi dari bagaimana musisi lain baru saja bergerak, yang menunjukkan bahwa goyangan tubuh mencerminkan komunikasi antara musisi. Selain itu, musisi yang ditugaskan untuk menjadi pemimpin selama karya tertentu lebih memengaruhi pengikut daripada sebaliknya. Studi lain menunjukkan bahwa orang mengalami pertunjukan langsung secara berbeda dari pertunjukan yang direkam sebelumnya, bergerak lebih sering dan serentak selama musik live.

Dalam makalah lain, yang diterbitkan dalam jurnal Scientific Reports, kami meneliti bagaimana musisi secara intuitif berkoordinasi satu sama lain selama pertunjukan untuk mencapai ekspresi emosional yang sama. Setiap pemain piano trio dilengkapi dengan penanda gerak untuk melacak gerakan mereka saat mereka memainkan kutipan musik bahagia atau sedih, sekali dengan ekspresi musik dan sekali tanpa.

Kami menemukan bahwa para musisi memprediksikan gerakan satu sama lain dalam kutipan bahagia dan sedih ke tingkat yang lebih tinggi saat mereka bermain secara ekspresif, dibandingkan saat mereka bermain tanpa emosi. Yang penting, di semua bagian, semakin besar jumlah komunikasi di antara anggota trio, semakin tinggi peringkat kualitas pertunjukan oleh musisi lain

Teknik untuk mengukur komunikasi antar musisi ini memiliki implikasi yang lebih luas. Ini dapat diterapkan pada situasi lain, seperti komunikasi antara pasien lanjut usia non-verbal dengan demensia atau antara anak autis dan pengasuhnya. Kita bahkan bisa memprediksi, dari komunikasi goyangan tubuh antara orang-orang yang melakukan kencan kilat, siapa yang akan cocok dan ingin bertemu lagi.

Mengatasi gangguan pendengaran

Bidang penting lain dari penelitian yang sedang berlangsung adalah efektivitas alat bantu dengar. Pada usia 60, hampir 49 persen orang akan menderita gangguan pendengaran . Orang yang memakai alat bantu dengar sering merasa frustasi saat mendengarkan musik karena alat bantu dengar tersebut mendistorsi suara dan tidak dapat menangani rentang dinamis musik.

LIVELab bekerja sama dengan Hamilton Philharmonic Orchestra untuk memecahkan masalah ini. Selama konser baru-baru ini, para peneliti mengevaluasi cara baru untuk menyampaikan suara secara langsung ke alat bantu dengar peserta untuk meningkatkan suara.

Para peneliti berharap teknologi baru tidak hanya meningkatkan kenikmatan musik live tetapi juga mengurangi isolasi sosial yang disebabkan oleh gangguan pendengaran. Bayangkan kemungkinan untuk memahami musik dan suara: Bagaimana hal itu dapat membantu meningkatkan penurunan kognitif, mengelola kecemasan kinerja sosial, membantu anak-anak dengan gangguan perkembangan, membantu pengobatan depresi atau menjaga pikiran tetap fokus. Setiap kali kami menyusun dan merancang studi, kami memikirkan kemungkinan-kemungkinan baru.

Orkestra Kamar: Mengapa Orkestra Sederhana Itu Indah

lakebraddockorchestra

November 9, 2020April 11, 2023 Christian Soto

Orkestra Kamar: Mengapa Orkestra Sederhana Itu Indah

Orkestra Kamar: Mengapa Orkestra Sederhana Itu Indah – Mozart, Brahms dan Schumann semuanya bekerja dengan, dan menulis untuk, orkestra kamar, yang ukurannya yang ringkas merupakan keuntungan besar bagi komposer dan penonton. Mengapa kita mengabaikannya hari ini? Orang bijak pernah berkata, “Ada dua aturan emas untuk sebuah orkestra: mulai bersama dan selesaikan bersama. Publik tidak peduli apa yang terjadi di antaranya. “Sebagai pianis dan konduktor Jerman yang baru-baru ini menjadi direktur musik Royal Northern Sinfonia di Gateshead, masuk akal bagi saya untuk meminta bimbingan dari seorang konduktor Inggris yang legendaris. Tapi kali ini Sir Thomas Beecham salah. Publik mengetahui kualitas ketika mendengarnya tidak hanya dalam arti apakah itu bagus atau tidak, tetapi suara persis yang dibuat orkestra tertentu. Itu semua lebih terasa dengan Royal Northern Sinfonia, karena ini adalah orkestra kamar.

Tumbuh di Düren, Jerman kebanyakan pergi ke konser di Aachen, dengan orkestra simfoni saya bahkan tidak tahu apa itu orkestra kamar sampai usia awal 20an. Sekarang saya tahu betapa indahnya, betapa pentingnya itu. Dan betapa besar upaya cinta untuk memastikan masa depannya. Kembali Mozart waktu, sebuah orkestra adalah yang orkestra. Itulah yang dia, Brahms dan Schumann kerjakan, dan mereka menikmati bekerja dengannya (seperti yang kita ketahui dari Brahms, misalnya, dan hubungannya yang sangat bermanfaat dengan Meiningen Court Orchestra). Itu tidak asing dari orkestra simfoni, hanya lebih sedikit pemain. Mungkin 30, dibandingkan dengan setidaknya 90 musisi. Perbedaan besar? Perbedaan besar. https://morrowpacific.com/

Saat ini, kami diberi tahu bahwa ukuran sangat penting. Kita semua terobsesi dengan apa yang besar dalam dunia hiburan; hal besar berikutnya. Film blockbuster dengan pesawat luar angkasa yang sangat besar dan efek khusus yang sangat besar. Set panggung yang menjulang tinggi. Dalam musik klasik, tren itu ditentukan oleh kekuatan orkestra besar yang diminta oleh Mahler, Bruckner dan Wagner (yang, tentu saja, menggunakan orkestra yang lebih besar untuk musik yang membutuhkan kekuatan besar itu).

Namun berpikir tentang musik hanya dengan cara itu adalah salah paham. Semua pembuatan musik, baik dengan satu musisi, trio atau kuintet, orkestra kamar atau orkestra simfoni, jauh lebih banyak tentang intensitas, energi dan keintiman daripada tentang volume. Misalnya, saya mendengar Claudio Arrau dalam konser, berusia di atas 80 tahun, memainkan Appassionata sonata Beethoven, dan menurut saya dia tidak pernah melampaui keahlian mezzo. Tetapi intensitasnya begitu besar sehingga membuat pertunjukan itu penuh dengan bobot, kedalaman, dan drama batin yang nyata.

Itulah yang Anda dapatkan dari orkestra kamar. Anda mendengar setiap detail terkonsentrasi terakhir dalam permainan. Setiap pemain jauh lebih terekspos, setiap instrumen tidak hanya didengar tetapi juga hidup, dalam karakterisasi penuh. Anda hampir dapat melihat berbagai karakter obo, bassoon, klarinet, biola dan mereka bercakap-cakap. Tiba-tiba seolah-olah Anda memiliki panggung opera di depan Anda dan semuanya hidup di atasnya, menceritakan kisahnya.

Namun orkestra kamar terlalu sering menyerahkan pusat perhatian kepada sepupu mereka yang lebih besar. Penggubah saat ini cenderung ingin menjadi besar, mengesampingkan kelompok yang lebih kecil seperti kita yang mendekati pekerjaan mereka. Itu adalah kesalahan kritis, tidak hanya dalam hal kemungkinan pertunjukan tetapi juga dalam perkembangan komposer, karena menulis untuk orkestra kamar memiliki tantangan yang berbeda yang saya yakin membuat seorang komposer tumbuh. Jika kita sebagai masyarakat kehilangan rasa untuk orkestra Mozart, kita kehilangan apa yang Mozart dan yang lainnya dapatkan darinya: rasa pusat musik karena orkestra kamar sangat erat kaitannya dengan segala sesuatu mulai dari hiruk pikuk opera hingga yang kecil skala tulisan instrumental; rasa batin struktur – mereka tidak hanya memutuskan untuk menulis, katakanlah, fugue menjadi sebuah karya fugue menuntut untuk ditempatkan di sana karena arsitektur memerlukannya. Tidak mungkin ada cara lain. Para penggubah mendapat struktur di tulang mereka dari merasakan dinamika orkestra kamar.

Di zaman ketika tulisan baru terus-menerus terancam, komposer membutuhkan orkestra kamar untuk menjadi juara mereka. Lebih ekonomis bagi seseorang untuk melakukan pekerjaan baru daripada untuk orkestra simfoni besar dengan aula yang sangat besar, overhead tinggi dan ribuan kursi untuk dijual. Kami ingin berada di sana untuk komposer dan, pada gilirannya, musik baru menopang kami. Tanpa hadiah, tidak ada orkestra yang dapat memiliki masa depan. Itulah sebabnya, di musim di mana kami memeriksa ulang Mozart sendiri, Royal Northern Sinfonia mengadakan kompetisi untuk komposer muda bernama “Mozarts of Tomorrow”, mengundang komposer muda untuk terhubung dan menulis untuk orkestra simfoni seukuran Mozart.

Konser pemenang adalah akhir pekan ini di Sage Gateshead, yang dengan senang hati saya selenggarakan. Kami bangga, sebagai orkestra Inggris di tempat ikonik, menyoroti komposisi untuk orkestra kamar. Komposer membutuhkan itu. Dan orkestra Mozart membutuhkan komposer. Bertentangan dengan apa yang ditekankan oleh Sir Thomas (meskipun saya pikir dia tidak sungguh-sungguh!) Penonton tahu bagaimana mendengarkan apa yang terjadi di antaranya. Saat orkestra ruang dan komposer bersatu, kita bisa menciptakan sesuatu yang sangat istimewa. Bagaimanapun, Mozart melakukannya.

lakebraddockorchestra

November 9, 2020May 21, 2022 Christian Soto

Bisakah Jazz Berkembang Pesat di China?

Bisakah Jazz Berkembang Pesat di China? – Awal musim panas ini, klub jazz Kota New York yang terkenal, Blue Note, mengumumkan akan membuka tempat di ruang bawah tanah Kedutaan Besar Amerika yang lama di Beijing. Selain klub Beijing, Blue Note berharap dapat terus melanjutkan operasi baru di Shanghai dan Taipei di tahun-tahun mendatang.

“China adalah pasar yang sedang berkembang untuk musik live Barat,” Steven Bensusan, presiden Blue Note Entertainment Group, mengatakan kepada The New York Times. “Kami akan berada di garis depan dalam membantu membangun musik itu.”

Akankah ekspansi Timur Jauh Blue Note menghasilkan kebangkitan China untuk genre yang pernah dilarang sebagai subversif? Atau seperti yang ditanyakan oleh beberapa orang yang skeptis akankah tempat tersebut memiliki pengaruh yang terbatas, dan hanya berfungsi sebagai tempat berkumpulnya elit China dengan selera musik nominal? sbotop

Selama bertahun-tahun, jazz tidak cocok dengan sensor China

Pada tahun-tahun setelah revolusi komunis China tahun 1949, jazz dengan tradisi kebebasan berekspresi dicap sebagai “musik kuning”, sama seperti pornografi. Saat itu, terperangkap terlibat dalam ide dan budaya Barat adalah ancaman nyata. Bahkan hari ini, musisi terus disensor karena menentang kebijakan rezim komunis China: pada 2008, penyanyi Islandia Bjork dilarang ketika dia menyerukan kemerdekaan Tibet di akhir konser Shanghai.

Seringkali mengacu pada materi yang mereka anggap “vulgar dan berselera buruk,” sensor China yang kasar juga telah melarang rekaman terpilih oleh Guns N ‘Roses, Backstreet Boys, Lady Gaga dan Katy Perry, antara lain. Namun, meskipun hubungan negara itu lemah dengan kebebasan berekspresi, kedatangan Blue Note Beijing yang akan datang mungkin paling baik dilihat sebagai kelanjutan tren nasional.

Persetujuan resmi musik populer Barat pertama kali muncul pada akhir Revolusi Kebudayaan, pada tahun 1976. Pada 1980an, rock and roll memperoleh pengikut populer di kalangan anak muda sebelum ditutup setelah pembantaian Lapangan Tianenman, tetapi kebangkitan Internet pada tahun 1990an memungkinkan penggemar musik Tiongkok untuk menghindari sensor. Sekarang aksi pop Barat mulai dari Linkin Park hingga Beyoncé bermain sebelum memuja orang banyak.

Kisah dua kota

Saat ini, Beijing dikenal dengan komunitas jazz akustik yang terjalin erat yang muncul pada 1990an, dengan sebagian besar musisi menambah penghasilan dari pertunjukan jazz mereka dengan pertunjukan rock dan pop. Sebaliknya, jazz di Shanghai memiliki sejarah panjang sejak tahun 1930an, ketika orkestra jazz hitam dipesan di Canidrome Ballroom yang mewah. Saat itu, kota itu disebut “Paris di Timur, New York di Barat”.

Shanghai memamerkan budaya yang lebih kosmopolitan daripada Beijing, sebagian karena perannya sebagai ibu kota keuangan negara. Jazz secara teratur ditampilkan di klub kota dan lounge hotel, yang menyediakan pekerjaan untuk penduduk setempat serta kader ekspatriat Amerika dan Australia.

Shanghai juga merupakan rumah bagi impresario jazz crusading China Ren Yuqing, seorang bassis yang meninggalkan rock pada tahun 2004 untuk membuka JZ Club dan menciptakan JZ Music Festival, salah satu festival jazz terbesar di Asia. Pada tahun 2006, ia mendirikan JZ School, yang telah menarik fakultas internasional dari institusi seperti Berklee College of Music, Eastman School of Music dan Manhattan School of Music.

Pertumbuhan musik jazz di Cina didorong oleh faktor-faktor lain. Kelas menengah yang sedang naik daun dengan pendapatan yang lebih dapat dibuang berarti bahwa musisi jazz pemula dapat melakukan perjalanan ke dan belajar di Amerika Serikat, di mana mereka dapat mengasah keahlian mereka di sumbernya.

Mereka yang tidak bisa melakukan perjalanan ke AS menggunakan internet. Sebagian besar pemain jazz Tiongkok menggunakan situs berbagi musik, di mana mereka dapat menemukan semua gaya jazz, baik itu melalui siaran web langsung dari konser jazz atau pertunjukan rekaman. Lalu, tentu saja, ada banyak sekali konten gratis di YouTube.

Andy Hunter Trombonis tinggal di Shanghai selama sekitar dua setengah tahun antara tahun 2000 dan 2007. “Ketika saya pertama kali tiba,” katanya, “para pemain mempelajari jazz dengan cara lama: dengan mendengarkan dan menyalin musik dari rekaman, dan kadang-kadang bertemu dengan musisi terkenal internasional.”

Hunter selanjutnya menjelaskan bahwa jazz tidak lagi membawa beban budaya dan politik yang dipegangnya di tahun-tahun setelah Revolusi Kebudayaan.

Kesulitan di depan rumah?

Sementara itu, di AS, beberapa orang secara berkala bertanya-tanya apakah jazz adalah genre yang sekarat atau tidak. Angka-angka tersebut memberikan kepercayaan pada argumen tersebut. Laporan musik Nielsen tahun 2014 menemukan bahwa musik klasik dan jazz hanya memiliki pangsa pasar 1,4%, yang mencakup penjualan album, unduhan digital, dan streaming. (Perlu dicatat bahwa angka Nielsen tidak termasuk penjualan CD yang diproduksi sendiri oleh artis di klub, konser, dan festival yang semakin meluas.)

Meski begitu, masih ada infrastruktur yang kokoh untuk terus belajar dan mengejar musik jazz. Pendidikan jazz, partisipasi band, dan kompetisi dapat dimulai sejak sekolah menengah pertama. Di perguruan tinggi, siswa paling berbakat mendapat manfaat dari program yang ditawarkan oleh Thelonious Monk Institute, Jazz di Lincoln Center dan SF Jazz Center di San Francisco. Di tingkat pasca sekolah menengah, terdapat pusat penelitian khusus seperti Institut Studi Jazz di Universitas Rutgers, selain publikasi populer dan ilmiah.

Musik untuk orang kaya atau untuk massa?

China, di sisi lain, kekurangan infrastruktur musik semacam ini. Pemain saksofon, pemimpin band, dan komposer MurrayJames Morrison telah tinggal dan bekerja di kota barat daya Chengdu sejak 2010.

“Tantangan yang dihadapi jazz di China lebih biasa daripada apakah eksistensinya mungkin dipertaruhkan,” jelasnya. “Sebagai permulaan, jazz memiliki sedikit dukungan kelembagaan di China, terutama di luar Beijing dan Shanghai. Di luar kota-kota itu, hal-hal yang dibutuhkan musik untuk berkembang pendidikan, label rekaman, organisasi penjangkauan, lembaga nonprofit sangat sedikit.”

Meskipun demikian, Morrison mencatat bahwa musisi jazz China “semakin baik sepanjang waktu. Ada pertunjukan di sini.”

Namun, pemain alang-alang avant-garde Dave Liebman, yang baru saja kembali dari tur di Tiongkok, menyatakan keraguannya tentang kemampuan jazz untuk mengikutinya. “Penontonnya ramah dan terbuka,” katanya, mencatat bahwa mereka terdiri dari “banyak anak muda.”

Tapi, dia menambahkan, Blue Note Beijing kemungkinan akan “menjadi operasi komersial yang terkait dengan kelas atas. Mereka adalah orang-orang dengan uang yang mampu untuk melihat satu detik Herbie Hancock dan menjatuhkan $ 150 untuk makan malam. Pelanggan mungkin tidak akan menjadi pendengar yang lebih berani.”

Terlepas dari reservasi beberapa, yang lain mencatat bahwa ekspansi Blue Note ke negara terpadat di dunia hanya dapat berarti lebih banyak eksposur dan pendapatan bagi musisi jazz. “Saya sangat senang dengan berita ini, karena ini akan membawa peluang besar bagi semua musisi jazz,” kata Le Zhang, penyanyi jazz kelahiran Shanghai yang tinggal di Brooklyn.

Sementara Zhang berpikir Shanghai akan menjadi pilihan yang lebih logis untuk klub China pertama Blue Note, dia “[berharap] yang terbaik, dan mungkin segalanya akan berubah dalam beberapa tahun.”

Tampaknya dengan Blue Note Beijing dan jazz, secara umum orang China memainkan kunci E: Economics. Apa yang menghasilkan uang di China itu bagus. Dan dalam hal ini, apa yang baik bagi perekonomian China menjadi pertanda baik bagi jazz.

Penjelasan: Apa Sebenarnya Yang Dilakukan Oleh Konduktor Musik?

lakebraddockorchestra

November 9, 2020May 21, 2022 Christian Soto

Penjelasan: Apa Sebenarnya Yang Dilakukan Oleh Konduktor Musik?

Penjelasan: Apa Sebenarnya Yang Dilakukan Oleh Konduktor Musik? – Konduktor adalah jenis musisi yang relatif baru. Hanya ketika komposisi menjadi lebih kompleks sekitar tahun 1810 (salahkan Beethoven!) Barulah kebutuhan aktual seorang konduktor menjadi lebih relevan. Konduktor diminati sebelum Beethoven, tetapi pada tingkat yang jauh lebih rendah.

Seperti yang disinggung oleh penulis dan kritikus musik ternama Norman Lebrecht dalam bukunya The Maestro Myth, masih terdapat mistik yang cukup besar di sekitar konduktor, terlepas dari kenyataan bahwa ribuan rekaman pertunjukan yang memperlihatkan konduktor “berhadapan langsung” kini tersedia secara online. Salah satu contohnya adalah Sir Simon Rattle yang memimpin simfoni kedua Gustav Mahler. Seperti halnya semua cabang pertunjukan musik, tugas seorang konduktor adalah komunikasi, tidak hanya secara musik, tetapi di luar musik.

Prestasi

Komunikasi seorang konduktor dengan penonton dimulai dari langkah pertama ke platform konser. Selama berjalan ke podium, dia tidak hanya harus menegosiasikan perjalanan yang aman melalui ruang pertunjukan yang sering penuh sesak, tetapi juga tersenyum, terlibat dengan penonton dan pemain, dan menyelesaikan ritual pra-konser. (Yang terakhir termasuk mengakui penonton dan orkestra, berjabat tangan dengan Concertmaster, dan membungkuk.) Semua ini sambil berkonsentrasi pada bagaimana pembukaan beberapa bar repertoar perlu dilakukan secara teknis dan musik. sbowin

Seorang konduktor biasanya akan mahir secara profesional pada setidaknya satu instrumen. Namun, dia harus memiliki pengetahuan dan pemahaman kerja yang kuat tentang semua instrumen dan suara yang sedang dibawakan. Skor tersebut sepenuhnya terserap sebelum tahap latihan dan sangat jarang dibaca di podium itu sendiri.

Pilihan pakaian konser dapat secara efektif berkomunikasi dengan anggota penonton selama “jalan”. Meskipun gaun konser formal untuk konser langganan arus utama masih populer, portofolio konser lain menawarkan pilihan pakaian yang lebih menarik: pemandangan Darth Vader, misalnya, melakukan pertunjukan bukanlah hal yang aneh!

Saya menggunakan sepasang sepatu bergaris merah tepercaya untuk memberikan pengaruh kepada penonton, fakta yang dicatat oleh pengulas yang membandingkan saya dengan Uskup Roma. Di abad ke-21, konduktor semakin dituntut untuk memperkenalkan pertunjukan. Tetapi pada akhirnya, konduktor akan memunggungi penonton (kecuali mereka yang duduk di warung paduan suara) dan musik akan dimulai

Bagaimana dengan gerakan lengan itu?

Kontak mata yang intens dengan anggota ansambel sangat penting untuk keberhasilan sebagian besar pertunjukan. Sekarang muncul lambaian tangan yang hampir seperti dongeng.

Ini adalah bagian matematis, sebagian artistik. Matematika mengacu pada ketepatan waktu menjaga ritme, yang pada gilirannya memungkinkan ansambel memiliki kesempatan terbesar untuk tampil bersama.

Banyak konduktor menggunakan tongkat untuk membantu menentukan penggunaan waktu ini, meskipun beberapa tidak. Pilihan individu seperti itu dapat bervariasi dengan ukuran dan gaya repertoar yang dibawakan. Lengan pemukul biasanya berada di sisi terkuat individu: Saya tidak kidal, misalnya.

Bagian utama dari peran konduktor adalah secara akurat menunjukkan panjang setiap batang sesuai dengan interpretasi dan struktur teoritisnya. Sebuah bar adalah alat matematika yang membantu untuk visual mengatur musik untuk para pemain yang bersangkutan.

Seorang penonton yang rajin akan memperhatikan bahwa kebanyakan bar memiliki pola pemukulan yang digunakan oleh konduktor. Pola pemukulan ditentukan oleh jumlah ketukan di bar (jumlah ketukan biasanya antara dua dan empat). Ini ditentukan oleh kombinasi ketukan vertikal dan horizontal (konduktor akan menunjukkan ini dengan menggerakkan lengan mereka ke atas atau ke bawah atau dari sisi ke sisi). Semakin banyak ketukan, semakin kompleks polanya. Jenis pola ketukan biasanya ditentukan oleh dan mencerminkan struktur ritme setiap batang.

Hampir semua bar memiliki ketukan pertama dan terakhir, masing-masing dikenal sebagai downbeat dan upbeat (lebih jarang bar hanya memiliki satu ketukan). Downbeat bergerak dari utara ke selatan, dan upbeat melakukan sebaliknya: bayangkan menggambar garis imajiner di udara dari pukul 12:00 hingga 6:00 (downbeat) pada sebuah jam, dan sebaliknya (upbeat).

Baik downbeats maupun upbeats berfungsi sebagai alat bantu visual bagi pemain untuk memeriksa poin masing-masing di dalam bar dan skor yang dimainkan. Upbeats dan downbeats memvisualisasikan garis bar, yang secara matematis membantu musik.

Meskipun kebanyakan bar dalam musik memiliki panjang yang sama, ini tidak selalu terjadi, seperti yang dibuktikan oleh rekaman online The Rite of Spring karya Stravinsky. Karya terkenal ini memiliki panjang batang yang banyak dan sering berubah, yang kesemuanya membutuhkan teknik dan musikalitas tingkat tinggi dari seorang konduktor.

Menekankan Volume

Lengan pemukul tidak hanya mengkomunikasikan waktu: ia juga berpotensi mempengaruhi derajat volume. Secara umum, semakin keras musiknya, semakin besar ukuran gerakan fisik yang digunakan. Seluruh tubuh seorang konduktor membantu mengkomunikasikan pesan artistik kepada ansambel, dan, akibatnya, kepada penonton. Dari ujung kepala hingga ujung kaki, musik dapat memengaruhi kinerja, melalui hal-hal seperti isyarat pemain, kontrol dinamis (volume), keseimbangan ensemble, dan bentuk artistik. Komunikasi, baik lisan atau tidak, adalah urusan kondektur. Tanpa komunikasi yang berhasil dari podium, kenikmatan pembuatan musik untuk semua pihak, termasuk penonton, menjadi berkurang.

Orkestra Pop Korea Utara Menghangatkan Hati di Selatan

lakebraddockorchestra

November 9, 2020May 21, 2022 Christian Soto

Orkestra Pop Korea Utara Menghangatkan Hati di Selatan

Orkestra Pop Korea Utara Menghangatkan Hati di Selatan – Ketika Band Samjiyon Korea Utara naik ke panggung pada malam pertama Olimpiade Musim Dingin di PyeongChang, 800 penonton yang kuat mungkin berharap orkestra menampilkan repertoar yang dirancang untuk memuji kebajikan kehidupan di Republik Rakyat. Mungkin mereka akan mulai dengan No Motherland Without You, sebuah standar terkenal tentang mantan pemimpin negara, Kim Jong-il? Atau sesuatu tentang petahana saat ini: Dia adalah Kamerad Kami Kim Jong-un menjadi pilihan yang jelas.

Tetapi alih-alih agitprop musik, band beranggotakan 140 orang terdiri dari orkestra dan rombongan penari yang sangat koreografer memulai penampilan 90 menit mereka dengan lagu pop Korea Utara Glad To Meet You lagu menarik yang akrab bagi banyak orang di Selatan. Dari sana itu adalah campuran lagu-lagu tradisional Korea, beberapa pop Korea Selatan tahun 1980-an, dan sedikit musik klasik Barat dimasukkan untuk ukuran yang baik. sbobet

The Samjiyon Band adalah perlengkapan terkenal di kancah budaya Korea Utara. Ini adalah bagian dari Mansudae Art Troupe yang lebih besar, dibentuk pada tahun 1969, dan terkenal sebagai favorit Kim Jong-un.

Grup ini bukanlah orkestra simfoni konvensional, meskipun grup ini menggunakan banyak gaya yang sama. Instrumen senar, tiup, dan kuningan yang familiar berlimpah, tetapi sering dikombinasikan dengan synthesizer, drum kit, saksofon, dan gitar elektrik, untuk menghasilkan suara “crossover klasik” yang mencampurkan musik klasik, aransemen lagu tradisional Korea, dan, tidak mengherankan, cambukan patriotik musik propaganda.

Kekuatan gadis Korea?

Video YouTube yang diunggah oleh media pemerintah Korea Utara, kostum yang serasi dan modis, aransemen musik sakarin, warna-warna cerah dan fokus lembut, semuanya berfungsi untuk mendukung orientasi musik yang khas di tengah jalan, dari jenis itu. James Last atau Bert Kaempfert mungkin telah memproduksi seandainya mereka secara diam-diam diselundupkan ke Korea Utara pada tahun 1970an. Orkestra ini sering mendukung kelompok kecil solois wanita, yang menampilkan kompetensi teknis tertentu di samping kostum mereka yang sedikit terbuka menurut standar Korea Utara.

Tata letak panggung orkestra lebih menekankan tampilan feminitas untuk tatapan pria. Sementara orkestra simfoni umumnya menggunakan tata letak panggung setengah lingkaran yang longgar dengan konduktor di tengah, Band Samjiyon menempatkan pemain senaryang sebagian besar terdiri dari wanita muda, berpakaian menarik dalam barisan di depan, dengan angin dan kuningan sebagian besar terdiri dari laki-laki berbaris di belakang mereka.

Gender instrumen musik sangat mencolok, bahkan lebih daripada dalam konteks Euro-Amerika, dan tata letak panggung sengaja di depan para wanita, mungkin terutama untuk satu pandangan laki-laki yang harus dipenuhi, yaitu Kim Jon-un. Dan untuk semua emansipasi wanita yang tampaknya dipamerkan, konduktor orkestra, seperti biasa, adalah pria.

Sangat mudah untuk mengejek tampilan yang jelas dari kontrol patriarkal atas koleksi tubuh wanita untuk tujuan musik, tetapi kasus serupa dengan mudah ditemukan di Barat. Misalnya, kelompok musisi wanita tersebar luas di era vaudeville dan dance band.

Grup-grup seperti The Ingenues, sebuah grup musik perempuan yang berbasis di Chicago pada 1920an dan 1930an, juga merupakan multi-instrumentalis terampil yang nilai keingintahuannya muncul sebagian dari feminitas mereka. Dan seperti Band Samjiyon, meskipun para pemain wanitanya menonjol, pria di belakang layarlah yang memegang kendali, terutama agen dan manajer mereka, William Morris.

Ada juga gaung yang lebih kontemporer. Salah satu klip YouTube dari Samjiyon Band menampilkan beberapa penyanyi solo yang tampil dengan instrumen senar elektrik, sehingga mereplikasi perpaduan yang sama dari daya tarik feminin, perpaduan musik klasik/populer, dan teknologi musik modern seperti Bond Quartet yang lebih dikenal saat ini.

Ada juga banyak perbedaan dengan perbandingan ini yang utama adalah bahwa, meskipun grup seperti The Ingenues dan Bond Quartet tidak diragukan lagi terampil dalam bermusik, mereka juga melayani industri musik yang motivasi utamanya adalah meningkatkan keuntungan bagi perusahaannya. pemegang saham. Kualitas musik mungkin penting, tetapi hanya sejauh itu dapat digunakan untuk mendukung kesuksesan finansial.

Performa terjual habis

Band Samjiyon memang populer. Lotre online untuk membeli tiket konsernya di Korea Selatan mengalami kelebihan permintaan. Dan popularitas mereka dengan elit penguasa Korea Utara sangat jelas resonansi lain dengan orkestra simfoni di Barat. Tetapi fungsi utama kelompok itu pasti untuk menggambarkan kejayaan ideologis negara Korea Utara.

Ini tampaknya merupakan aspek khusus dari rezim totaliter. Setelah runtuhnya Tembok Berlin dan Tirai Besi, kita mungkin lupa betapa meluasnya manipulasi musik klasik dan rakyat oleh negara ini dulu terjadi di antara rezim-rezim serupa di Eropa Timur. Dukungan lama Soviet untuk Orkestra Simfoni Negara Uni Soviet – sekarang secara resmi menjadi Orkestra Simfoni Akademik Negara Bagian “Evgeny Svetlanov” memberikan satu contoh yang terkenal. Manipulasi untuk tujuan politik ansambel musik rakyat Rumania oleh diktator Nicolae Ceausescu memberikan contoh lain. Masih banyak lagi. Musik, seks dan politik: minuman yang memabukkan. Tapi tidak ada yang unik di Korea Utara, atau kultus kepribadian di sekitar Kim Jong-un.

Mengedit Musik Yang Belum Selesai Oleh Komposer Hebat Memang Kontroversial - Tetapi Terkadang Perlu Dilakukan

lakebraddockorchestra

November 9, 2020May 21, 2022 Christian Soto

Mengedit Musik Yang Belum Selesai Oleh Komposer Hebat Memang Kontroversial – Tetapi Terkadang Perlu Dilakukan

Mengedit Musik Yang Belum Selesai Oleh Komposer Hebat Memang Kontroversial – Tetapi Terkadang Perlu Dilakukan – Karya seni yang belum selesai telah lama memiliki daya pikat puitis. Karya-karya semacam itu menarik bagi kita hari ini, sebagian karena keingintahuan dan kesedihan yang menyertai fragmen-fragmen tersebut. Apa yang hilang dari kita? Apa jadinya itu? Mungkin yang lebih penting, karya yang belum selesai menjanjikan untuk membuka jendela ke proses kreatif secara lebih transparan daripada yang “selesai”. Mereka dapat memberikan wawasan tentang keputusan intelektual dan sarana teknis yang digunakan seniman untuk menciptakan sesuatu.

Bagi Pliny the Elder, gambar seniman yang belum selesai “lebih dikagumi daripada yang telah mereka selesaikan, karena di dalamnya terlihat gambar-gambar awal yang dibiarkan terlihat dan pemikiran seniman yang sebenarnya”. Demikian pula, di abad ke-19, sketsa menjadi pusat model imajinasi kreatif, yang muncul untuk memberikan akses istimewa ke momen inspirasi ini. link alternatif sbobet

Sementara genre tertentu merayakan fragmentaris, para cendekiawan sering mual tentang berurusan dengan karya yang tidak lengkap, dan dana yang signifikan untuk membatalkan upaya masa lalu yang buruk untuk memulihkan patung duduk di samping wabah sesekali kemarahan publik di restorasi yang gagal dari lukisan dan ukiran.

Argumen ini juga bukan hal baru. Arkeolog Ludwig Pollak menemukan pada tahun 1905 bahwa patung Laocoön yang terkenal digali pada tahun 1506 telah dilengkapi dengan lengan baru yang terulur, hasil kompetisi pada tahun 1532, yang dinilai oleh Raphael, tidak kurang. Ketika lengan aslinya digali, dan terbukti tidak terulur, itu disatukan kembali dengan patung, yang terlihat berbeda selama empat abad terakhir.

Masalah waktu

Saya seorang ahli musik dan minat saya terutama pada sketsa musik. Hal ini dapat menimbulkan tantangan dalam presentasi yang tidak dimiliki sobekan puisi atau gambar yang tidak lengkap. Betapapun memikatnya seni yang belum selesai, apa yang harus kita lakukan dengan musik yang belum selesai?

Menulis dengan mengingat patung Laocoön, penulis abad ke-18 Gottfried Lessing yang terkenal menggambarkan perbedaan antara seni yang bekerja dalam waktu (nacheinander) dan yang bekerja di luar angkasa (nebeneinander). Meskipun kita dapat membaca ayat yang tidak lengkap, atau menikmati merenungkan goresan pensil yang belum selesai, musik tetap ada pada waktunya. Itu membutuhkan kinerja: realisasi aktif dalam suara. Kesenangan membaca fragmen musik dalam arsip pada dasarnya adalah barang antik. Ini mengecualikan mereka yang tidak bisa membaca skor secara diam-diam. Realisasi sensorik musik dalam waktu membedakannya dalam konteks ini.

Banyak “potongan” tetap tidak lengkap, dari fragmen nyanyian hingga St Mark Passion karya Bach dan Requiem Mozart, dari simfoni oleh Beethoven, Schubert, Mahler dan Elgar hingga opera oleh Weber, Donizetti, Mendelssohn, Verdi, Liszt, Puccini dan Berg. Beberapa, seperti Requiem atau Mahler’s Tenth, telah diselesaikan beberapa kali oleh banyak orang. Dalam beberapa kasus, kita telah merasa nyaman dengan “penyelesaian” ini, banyak di antaranya berasal dari paruh kedua abad ke-20, dan telah direkam oleh konduktor dan orkestra top dunia. Tapi ini tidak selalu terjadi.

Pada tahun 1966, ahli musik Paul Henry Lang mencemooh “penyelesaian” pertama dari simfoni Kesepuluh Mahler oleh Deryck Cooke, menulis: “Seseorang tidak pernah mendengar seorang arkeolog menambahkan lengan yang hilang dari buatannya sendiri ke Venus yang dipulihkan, begitu pula rekan musikolognya melakukan hal seperti itu pada sebuah simfoni.” Meskipun ada banyak tambahan pada patung, mungkin intinya adalah apakah restorasi tersebut dipalsukan sehingga Anda tidak dapat melihatnya.

Karya Cooke diberkati oleh istri Mahler, Alma, namun – setidaknya dalam satu hal – alasan Lang masuk akal: tidak ada dua kepribadian kreatif yang bisa sama, yang berarti bahwa bahkan dengan semua keahlian di dunia ini, beberapa tingkat perbedaan kreatif merayap ke dalamnya. “penyelesaian”. Dan sikap tidak banyak berubah. Contoh klasik dari debat semacam itu mungkin adalah penyelesaian spekulatif Simfoni Kesepuluh Beethoven pada tahun 1988, di mana bukti yang dibesar-besarkan dalam naskah Beethoven menghasilkan reaksi yang sama sengitnya.

Dari sini muncul pertanyaan apakah kita harus membiarkan pekerjaan yang belum selesai sendirian dalam keheningan. Di mana notasi yang ada dapat dilakukan sampai titik tertentu, haruskah kita berhenti mati dalam pertunjukan (“dan di sini, tuan dan nyonya, tuan meninggal”)? Haruskah kita menyerahkan pengetahuan tentang karya semacam itu kepada spesialis, seperti yang disarankan Lang? Dan dapatkah kita tega melepaskan Requiem Mozart dan Art of Fugue Bach dengan cara ini?

Tampak jelas bahwa seniman dan cendekiawan zaman akhir tidak boleh secara sewenang-wenang mengganggu integritas materi pencipta tertentu. Tapi pertimbangkan sisi sebaliknya. Jika ada fragmen musik performable, dapatkah kita membiarkannya duduk diam, atau adakah kewajiban etis untuk membawa musik ke dunia, sebagai semacam properti sosial? Bagi saya, semuanya tergantung pada detail dan keadaan penyelesaian apa yang dinotasikan oleh komposer. Garis antara penyuntingan, realisasi dan rekonstruksi ditarik atas dasar ini.

Sardanapalo

Ketertarikan saya pada debat ini berkaitan dengan pekerjaan saya baru-baru ini terhadap edisi dan penampilan pertama Sardanapalo karya Liszt, sebuah opera yang diasumsikan terpisah-pisah dan tidak dapat diperbaiki, tetapi yang dalam penyelidikan lebih dekat terbukti menjadi skor vocal piano yang berkelanjutan dari babak pertama. Kadang-kadang ditulis dengan cara singkat, tetapi sebaliknya menentukan parameter utama musik hampir secara lengkap: nada, ritme, melodi, harmoni, pengiring, tekstur. Selama hampir dua abad, notasi yang sulit diuraikan menyembunyikan sekitar 52 menit musik oleh salah satu musisi paling terkenal di abad ke-19.

Sederhananya, saya merasakan kewajiban untuk mewujudkannya ke dunia. Skor tersebut masih perlu diatur sesuai dengan petunjuk instrumental Liszt (tugas yang dia serahkan ke asisten pada tahun 1851, tetapi tidak pernah terjadi). Dengan pengecualian ini dan 20 bar terakhir – yang saya berikan berdasarkan materi penutup sebelumnya – tidak ada input “komposisi” yang diperlukan : Liszt memberi notasi atau menyingkat konsepsi penuh musik. Namun untuk mewujudkannya, perlu dibaca dalam konteks konvensi opera Italia dan praktik notasi Liszt.

Dan musik yang dihasilkan? Menurut kritikus, ini “benar-benar menarik”, “musik yang mendebarkan”, “pikirkan Bellini yang ditata ulang oleh Wagner dan Anda memiliki gagasan tentang sapuan emosional yang luas dari musik yang mencekam ini”.

Menghadapi situasi yang serupa dengan saya, komposer Ernst Krenek berpendapat bahwa: “Menyelesaikan karya master hebat yang belum selesai dapat dilakukan dengan jujur hanya jika fragmen aslinya berisi semua ide utama dari karya yang belum selesai.” Apa yang dimaksud dengan “semua ide utama” sangat bergantung pada situasi sumber, dan keandalan serta kejelasan kebiasaan notasional individu. Komposisi modern dan bebas dari bagian jembatan yang tidak ada, tema yang hilang atau bahkan gerakan yang dihilangkan tidak akan pernah menjamin publikasi di bawah nama komposer sejarah, dalam pandangan saya. Kami percaya para sarjana secara implisit dalam hal ini. Dan karya musikologis sangat bergantung pada edisi ilmiah yang andal. Akhirnya, pada akhirnya, kejelasan tentang betapa luasnya “semua ide utama” yang ada dapat menawarkan balm terhadap kekhawatiran tentang mengedit musik yang “belum selesai”. Faksimili, khususnya faksimili online akses terbuka dari manuskrip asli, dapat menawarkan transparansi penuh bagi mereka yang memiliki mata untuk melihat dan kecenderungan untuk menyelidiki. Mungkin ini akan memungkinkan kebodohan kita pada seni yang belum selesai dibagikan, tidak dijaga, dengan musik yang belum selesai.

'Salah Satu Adegan Opera Paling Pedih Yang Pernah Saya Alami': Farnace Pinchgut

lakebraddockorchestra

November 9, 2020May 21, 2022 Christian Soto

‘Salah Satu Adegan Opera Paling Pedih Yang Pernah Saya Alami’: Farnace Pinchgut

‘Salah Satu Adegan Opera Paling Pedih Yang Pernah Saya Alami’: Farnace Pinchgut – Ketika pertunjukan Farnace dibatalkan di teater Ferrara setelah kegagalan artistik opera Vivaldi Siroe re di Persia pada bulan Desember 1738, kesempatan Vivaldi untuk menampilkan opera favoritnya di salah satu teater top di Eropa menguap. Dia membela tulisan operasinya, menyalahkan pemain harpsikord atas penerimaan Siroe yang buruk. Tidak masalah. Farnace dibatalkan; dan kemudian dilupakan.

Baru dihidupkan kembali di Sydney, karya ambisius direktur artistik Pinchgut Opera Erin Helyard ini menunjukkan bahwa Farnace adalah mahakarya opera Venesia abad ke-18. Libretto Antonio Lucchini mengeksplorasi kehormatan dan cinta setelah perang di Pontus, sebuah kerajaan di ambang Eropa dan Asia: wilayah yang saat ini mengalami kerusuhan, membawa cerita ini terlalu dekat untuk kenyamanan. link alternatif

Kekalahan Farnace (Christopher Lowrey), Raja Pontus, menghadirkan dilema yang mustahil baginya dan keluarganya. Farnace meminta istrinya, Tamiri (Helen Sherman), untuk membunuh putra mereka dan kemudian dirinya sendiri untuk menyelamatkan mereka dari aib dan siksaan di tangan musuh mereka. Memimpin dari harpsichord, Helyard merapalkan mantra sihirnya pada orkestra, pemain kontinu, dan penyanyi dengan kedalaman dan nuansa. Performa penuh semangat dari Orchestra of the Antipodes ditandai dengan kecemerlangan serangan, dinamisme ritmik, dan kemahiran ungkapan. Penonton diliputi oleh kegembiraan, keheranan dan kegembiraan.

Kemenangan suatu produksi

Kecerdasan Vivaldi terletak pada tulisan melodi virtuoso dan warna instrumental. Horns yang diperankan oleh Doreé Dixon dan Carla Blackwood menghadirkan unsur militer dalam narasinya. Seruling Mikaela Oberg menghiasi curahan cinta dan kesetiaan Tamiri dalam “Sol da te, mio dolce amore” (Only in you my sweet love).

Dibawa ke masa kini dan terletak di lemari besi penjara, bahaya dan kematian terlihat jelas. Mayat yang menggantung menghantui panggung dengan goyangan yang menakutkan. Arahan Mark Gaal membawa ritme pada narasi: membanting pintu ganda di bagian atas panggung, dan mengintensifkan gerakan di atas panggung selama pengulangan bagian pertama arias. Kehadiran seorang aktor cilik (Matthew Simon) dan dua tentara remaja (Jack Curry dan Joshua Hammond) membuat cerita tersebut semakin nyata hingga perang gerilya saat ini. Tidak seperti biasanya untuk opera, tiga wanita kuat menjadi pusat dongeng ini.

Kebajikan cinta dan kesabaran diwujudkan oleh Tamiri, dinyanyikan dengan perasaan oleh Sherman, meskipun dia perlu menemukan hubungan yang lebih baik dengan karakter dalam seluk-beluk prosodi Italia. Penampilan Sherman dari flute obbligato aria adalah sorotan. Keberanian dan kesetiaan diwakili oleh saudara perempuan Farnace, Selinda, yang diberi semangat dan daya pikat oleh Taryn Fiebig.

Berenice sangat destruktif dalam amarahnya, digambarkan dengan histrionik macho dan nada tinggi yang luar biasa oleh Jacqueline Dark, yang mencapai kontras besar dengan kelembutan vokal yang tak terduga dalam penyerahan dan pengampunan Berenice di akhir opera. Gilade dinyanyikan oleh Max Riebl dengan nada countertenor dan kelincahan yang indah. Riebl berkilau di arias, dihiasi dengan cadenzas yang megah.

Lowrey menghadirkan intensitas yang belum pernah terjadi sebelumnya pada penampilannya. Suara countertenor bertubuh penuhnya fasih dan memilukan dengan jujur dalam keadaan menyedihkan raja yang mulia.

Simbiosis dari ekspresi sonik dan visual emosi mencapai klimaksnya dalam aria “Gelido in ogni vena” (Frosty in every vein). Lowrey menjadi sorotan. Kepingan salju yang jatuh mengacu pada akord dingin dari gerakan Winter dari konser Four Seasons.

Lowrey menggunakan warna vokal untuk mencapai efek dramatis, mengekspresikan kesedihan mendalam seorang ayah yang memerintahkan kematian putranya. Ini adalah salah satu adegan opera paling pedih yang pernah saya alami. Farnace adalah produksi kebangkitan terbaik oleh Pinchgut Opera, yang menunjukkan standar tinggi dari praktik yang diinformasikan secara historis, semangat dan kehalusan pementasan. Kekecewaan Vivaldi telah diubah menjadi kemenangan hampir tiga abad kemudian, di sisi lain dunia oleh sekelompok ahli barok yang membanggakan dirinya untuk menghidupkan kembali permata opera yang terlupakan untuk penonton modern.